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31/07/2015

A importância das epígrafes



O processo de produção de um texto em prosa requer atenção a diversos recursos que utilizamos para a construção de uma obra perfeita - ao menos aos nossos olhos. Dentre esses recursos disponíveis em nossa paleta de cores literárias, lá estão as epígrafes. Esses texto pretende divagar um pouco sobre a função delas na narrativa.
Seria possível ao escritor conceber a epígrafe como uma espécie de termo acessório, visto que ela não chega a ser algo de presença obrigatória (realmente, em arte é muito difícil acreditar que algo tenha a obrigação de estar presente). Entretanto, o bom escritor pode fazer uso de uma epígrafe de forma que a desloque da condição de acessório para a de essencial à diegese. Conta-se que boa parte dos escritores ainda veem a epígrafe como um adorno, "cereja de bolo" ou algo do tipo, o que enfatizaria a nossa visão dela como termo acessório. Entretanto, é possível considerar tal recurso como indissociável da narrativa vigente, se levarmos em consideração os estudos de Wayne C. Booth, que dizem, não bem com essas palavras, que epígrafes, notas de rodapé (ao menos as do próprio autor ou mesmo de um personagem da trama), títulos, elementos de composição secundária fazem parte de uma "ótica" criada especificamente para aquela obra. Se levarmos em consideração esse ponto de vista, fica difícil não prestar atenção à importância de uma epígrafe, bem como de sua relação com os acontecimentos narrados.  
Sendo assim, a epígrafe ganha função que vai muito além de "capturar a atmosfera" da obra, podendo até servir de prolepse (antecipando eventos importantes que ainda serão apresentados ao leitor) ou ironizar um contexto ali exibido.
Alguém que leve em consideração esse tipo de interpretação textual tenderá a sempre buscar compreender a função estética de uma epígrafe específica. O autor, por sua vez, se sentirá forçado a pensar essa mesma função, o que abre um novo plano de diálogo entre autor, obra e leitor. Penso, por exemplo, na epígrafe de Deixe-me entrar, de John Lindqvist:

I never wanted to kill
I am not naturally evil.
such things I do
Just to make myself
more attractive to you.
have I failed?
Morrissey, Last of the famous international playboys.

Percebamos a relação intertextual entre a obra de Lindqvist e a epígrafe, retirada de uma canção do Morrissey. A ideia de matar para tornar-se mais atraente a quem amamos ganha dimensões diferentes ao considerarmos que Deixe-me entrar conta a história de um vampiro (as adaptações para o cinema são também bastante conhecidas). Não quero encher esse texto de spoilers, mas convido o leitor a examinar com mais cuidado a força que tem a epígrafe nessa narrativa. 
No mais, ao leitor, deixo aqui a sugestão de prestar mais atenção ao recurso estético de que falamos. Talvez, fosse divertido selecionar suas epígrafes preferidas. Já ao escritor, sugiro a observação minuciosa de seu texto, perguntando-se até onde é necessária uma epígrafe e, caso ela exista, que relações semânticas apresentamos aos leitores a partir dela.

10/02/2015

Glorificando o híbrido - Parte IV (final)

Atenção! Atenção! A discussão a seguir possui altos níveis de spoiler! Se você ainda não viu/ leu as obras aqui discutidas, cuidado. 


Chegando ao fim de nossa série, depois passarmos pelo cinema (Matrix) e anime (Kill la kill), é chegada a hora de ver um bom exemplo do híbrido na literatura. Para tanto, vamos ver o que acontece em Rei Rato, do mestre da weird fiction China Miéville (foto da direita). 
Numa Londres cerda de criaturas abomináveis que se esgueiram quase invisíveis pelos becos e esgotos, uma dessas criaturas governas todos os imundos ratos da cidade. O conflito começa quando um ser misterioso resolve destruir o Rei Rato: o flautista de Hamelin. Ele tem o poder de, através de sua música, controlar toda a população e fazê-la atender suas ordens. Para cada tipo de criatura, o flautista deveria tocar uma música diferente.
Vendo que não seria páreo para o flautista, Rei Rato decide ir atrás de seu "herdeiro", Saul Gramond. Saul é o híbrido, filho de uma aventura de seu pai com uma humana, que agora terá de despertar seu lado sombrio. Assim, vamos acompanhando toda a adaptação de Saul ao mundo sombrio dos esgotos, tudo acompanhado da batida veloz do jungle e do drum'n'bass. Durante esse aprendizado, o flautista também começa a caçá-lo para que toda a raça dos ratos seja destruída. 

Confronto final

No duelo final entre o flautista e Saul, vemos o quão poderoso é o antagonista, quando, com a música de seu instrumento, faz com que todos os humanos e ratos estejam sob seu domínio, entretanto, Saul consegue escapar do então iminente massacre dentro de uma casa de show, pois ele não é rato, nem humano. Sua hibridez faz com que o flautista não consiga dominá-lo e, assim, saia derrotado. Complementando o encerramento, vemos a clara mensagem política de celebração da miscigenação e da organização de uma sociedade que não se submeta aos caprichos de seus líderes. É possível ver o futuro como um ambiente de preservação da identidade e, concomitantemente, da promoção da diversidade. 

Concluindo

O que podemos ver a partir das três obras aqui apresentadas é que nas últimas décadas, a produção artística a nosso redor parece também ter se preocupado em promover a diversidade étnica e cultural. Escrever é sempre um ato também político e, como tal, serve de material para reflexão sobre nossos rumos em tempos de crises econômicas e políticas separatistas e/ ou persecutórias. Vale a pena ver o que cada um dos híbridos tem a dizer, perceber até onde somos como eles e ver o que podemos aprender com eles. Fica o convite. 

Perdeu as outras partes? Veja aqui as partes I , parte II e parte III da discussão! ☺
 

09/12/2014

Glorificando o híbrido (parte III)

Atençao! Atenção! A discussão a seguir possui altos níveis de spoiler! Se você ainda não viu/ leu as obras aqui discutidas, cuidado. 




Moda, fascismo e muito nonsense em Kill la Kill!

Continuando nosso papo sobre o híbrido nas artes, apresento aos que não são muito fãs de cultura japonesa um dos animes mais badalados dos últimos tempos e importante exemplo para nossa discussão.
Kill la Kill nos apresenta um cenário distópico em que a militarização das escolas é levada a níveis hiperbólicos. Por sinal, hiperbólico porderia ser a melhor palavra para definir o anime, já que tudo é extremamente exagerado: fan service, derramamento de sangue, humor e nonsense. A história ressignifca um monte de clichês, partindo do clássico jovem-que-quer-vingar-a-morte-do-pai. Essa jovem é Matoi Ryuko, que, fazendo uso de uma tesoura-espada, se rebela contra a chefa de sua escola, Kiryuin Satsuki. O negócio vai ficando cada vez mais louco quando descobrimos nossa protagonista favelada na verdade não é humana: é uma criatura híbrida. 
Ryuko usa um uniforme com vida própria, Senketsu, com quem conversa e tem uma relação de profunda amizade. O uniforme sobrevive se nutrindo de seu sangue e, em troca, Ryuko usa seus poderes, que se ampliam ao longo da série. O que não se contava é com a reviravolta digna de novela mexicana: Satsuki também tem interesse em Ryuko para que juntas, possam derrotar Kiryuin Ragyo, verdadeira mãe de Ryuko que está promovendo a destruição do mundo por... roupas!
Segundo ficamos sabendo, criaturas alienígenas minúsculas, chamadas de Fibras da Vida, viajam pelo espaço e se instalam nos planetas para de forma parasitária, vão fortalecendo seus hospedeiros até que estes estejam prontos para ter suas energias levadas, dando origem a novas Fibras da Vida. Isso mesmo, roupas alienígenas que invadem a terra para transformar a Terra numa imensa bola de lã. Como dito, tudo se torna ainda mais absurdo ao Ryuko saber que não é filha de seu pai, mais é uma criatura híbrida, filha de Ragyo com as Fibras parasitas, ou seja, meio humana, meio roupa. 
Por fim, a humanidade vence, mas com a ajuda de Ryuko, que resolve lutar para não ser dominada pelas roupas, algo impossível para qualquer raça inferior como a humana. O resultado é que a união perfeita de Ryuko com seu uniforme que, por estar ligado ao sangue da protagonista, é também híbrido, faz com que os arifícios que as Fibras da vida usam para dominar os demais sejam ineficazes, causando o completo banimento dos aliens da face da Terra, enfim todos podem descansar em paz, sem se preocupar em ser dominados pelo que vestem, bem como vestir o que bem entenderem. 
Diante de uma história tão maluca, à primeria vista, não se percebe muita coisa, pois os exageros propositais da obra fazem com que muita coisa possa passar despercebida. Ou seja, Kill la kill pode paraecer um anime de humor com aliens invadindo a terra, mulheres seminuas em uniformes especiais (espécie de tributo à Sailor Moon, diga-se de passagem) e muito, mas muito sangue. Porém, como se espera de toda boa obra, muitas leituras se abrem sutilmente, como por exemplo o poder feminista da obra, mesmo fazendo uso de artifícios comumente machistas, discussão sobre a  exploração da sexualidade feminina, sobre a militarização das escolas conservadoras e, especialmente para o nosso caso, a representação de um ser único, que se difere dos demais por ter características de dois grupos até então distintos: o híbrido. Sem esse hibridismo, como vimos, Ryuko não conseguiria destruir as roupas alieníginas. Temos então outro grande exemplo de representação de "miscigenação" libertadora. 



No próximo episódio: depois de homem-software e mulher-roupa, que tal vermos um homem-rato? Aguardem!

 Continua...

08/11/2014

Glorificando o híbrido (Parte II)

Atençao! Atenção! A discussão a seguir possui altos níveis de spoiler! Se você ainda não viu/ leu as obras aqui discutidas, cuidado. 


Tudo bem que nessa parte da nossa dicussão nem seria tão necessário avisar sobre spoiler, já que pode se dizer que todo mundo viu a trilogia Matrix. Sendo assim, pulamos uma introdução mais detalhada e vamos olhar mais de perto os eventos finais de Matrix Revolutions, último filme da série. 
Matrix deixou uma legião de fãs, mas também deixou dúvidas e lacunas com sua estética mais preocupada em sugerir do que em afirmar algo. O resultado é que até hoje temos muitas interpretações sobre o desfecho. É quase unânime a opinião de que os acontecimentos do final são bastante confusos, o que me fez lembrar também do desfecho de Evangelion e sua viagem cheia de parabéns. Proposital ou não, a confusão existe e acabou por enriquecer a obra. 
Destre os principais pontos de confusão, podemos citar o fato de a existência de Neo não ser questionada. Na verdade, o tempo todo os personagens nos sugerem que sabem bem quem ou o que Neo é, mas nós temos essa resposta com convicção, ainda mais quando lembramos de que Neo conseguira usar seus poderes fora da Matrix. Caso semelhante acontece com o Agente Smith. A pergunta que fica é: Neo é um programa? Um humano? Tais questionamentos acabaram por fazer com que alguns espectadores acreditassem que a realidade onde Neo vive também estivesse sendo uma simulação, ou seja, a chamada teoria da Matrix dentro da Matrix. 

O que propomos aqui é que algumas respostas a estes questionamentos podem ser encontradas ao observar os procedimentos narrativos do filme. É possível que em algumas obras fantásticas ou com elementos próximos dele, possuam algo que destoa da linearidade esperada, algo que "não bate" com o que se apresenta, algo que fere e transgride as leis do que o leitor/ espectador define como real. Ele não obedece à realidade, mas no entanto continua lá e, até certo ponto, permanece imcompreensível. Se tomarmos como base essa transgressão da realidade aqui comentada e relacionando-a aos eventos de Matrix Revolutions, é possível ter uma nova interpretação do que é Neo. Ele é o elemento fantástico, ele não é um programa, mas também não é um humano; é, na verdade, uma fusão, um ponto de convergência ou transição entre eles: é o híbrido. De acorodo com o que vemos na série, o híbrido vence, ele é o escolhido, está acima dos demais e, sendo assim, o único a romper com o sistema social que vemos. A revolução vem da união. 
Curioso é que Smith também levanta as mesmas questões, mas ele não quer salvar ninguém: quer corromper, destruir. À primeira vista isso derrubaria a nossa tese, mas por outro lado a enfatiza,  já que ressalta que o purismo de um humano ou programa se mostra insuficiente perto de alguém com as caracteríscas dos dois. Percebamos o quanto de novos caminhos abrimos olhando sobre esse ponto de vista. 
No próximo capítulo, veremos que Matrix não está tão distante assim de Kill la Kill. Até breve!
Segue uma musiquinha aí pra animar.


Continua...

15/10/2014

Glorificando o híbrido (parte I)


Saudações, meus amigos! Aqui vou eu aproveitar que estou com menos preguiça de pensar e trazer novos debates. Sem mais delongas, vamos nessa!
Em toda a história da humanidade temos muitos embates ideológicos e, em sua maior parte, todos apresentados de forma binária, maniqueísta: bem contra mal, Platão contra Aristóteles, capitalistmo contra socialismo e assim por diante. Porém, a situação de meio-termo dentro desses embates sempre causa muita confusão e acaba desfazendo, diluindo os limites entre os dois elementos até então vistos como antagônicos, excludentes. Assim, surge uma espécie de "terceira via" que incomoda muito aqueles que refletem sobre outro embate dicotômico, que é o alvo de nossa discussão aqui: purismo versus hibridismo. 

A era da pureza

Entendamos aqui como purismo a tendência que muitas pessoas tem de de se posicionarem contra a mistura, o que faz com que sua organização de pensamento seja binária. Para essas pessoas, seria inadmissível que um elemento A pudesse incorporar características de um elemento B, ou seja, ou você é homem, por exemplo, ou mulher; ou você é rico ou pobre, etc. Mesmo que casos que desafiem essa visão binária do mundo ocorram à perder de vista, tal purismo tem sido, talvez até hoje, na maior parte das nações, o pensamento majoritário (nem sempre da maioria númerica, é bom salientar). 


Nem uma coisa, nem outra

Parece discurso da Marina Silva, mas com a natural interação social entre os povos, as ideias que eram tidas como absolutas para uns têm tido seus limites atenuados ou, em muitos casos, completamente destruídos. As concepções e convicções de ambos os lados são permanentemente transgredidas, criando um elemento destoante: eis o híbrido, um elemento que ganha cada vez mais força, tanto que, se nos inspirarmos pelos estudos filosóficos das últimas décadas, torna-se cada vez mais difícil conceber uma única realidade, bem como conceber nossa realidade como imutável e absoluta.
Mas por que cargas d'água falamos disso aqui, num mero blog literário? A resposta é simples: o hibridismo tem sido um dos pontos principais a se discutir também nas artes, especialmente dos anos 80 para cá. Mais ainda: há um discurso presente em boa parte dessas obras em favor desse hibridismo.

Como assim, discurso em favor do híbrido? Para explicar melhor, tomamos como exemplos três obras distintas, como já é costume aqui no blog, de campos da arte igualmente distintos. Primeiramente, veremos o caso na trilogia Matrix (em especial, o terceiro filme, Matrix Revolutions [2003]). Em seguida, nuances desse hibridismo no anime Kill la Kill (2013) e, por fim, no campo da literatura, observando Rei Rato, de China Miéville (2011). Será que dá para relacionar obras tão diferentes de acordo com o tema aqui de nosso debate? É o que veremos logo mais.

Continua...

08/10/2014

O que a arte nos ensina (parte I)


Ultimamente tenho visto/ ouvido por aí muitas pessoas falarem algo que me incomoda. Tais pessoas dizem aprovar/ desaprovar uma obra "porque ela ensina..." sinceramente, acho esquisito esse tipo de discurso, posto que é o fato de uma obra ensinar algo é um critério muito maleável e passível de interpretação, extremamente vago. Citemos um exemplo para clarear a situação. 


Nos últimos tempos, tenho visto que há certa rejeição a algumas novelas do horário nobre que trazem homossexuais e questões sobre o preconceito que sofrem como parte principal da trama. Segundo algumas pessoas, tal trama é ruim e a novela é uma bosta porque ensina o telespectador a ser homossexual. Pior: incentiva as crianças que assistem a "liberarem geral". 
Vou evitar entrar no caráter homofóbico de tais opíniões, pois não é bem esse o foco. O problema em questão é a noção de que a novela ou qualquer outra obra de arte seja uma espécie de "professora" e que, sendo assim, seja obrigada a ensinar alguma coisa. De fato, a arte pode nos ensinar muito, mas definitivamente essa possibilidade não é determinante na avaliação de tal obra. Ainda tomando como exemplo a novela, ela não é boa ou má por promover os "valores da família" ou por "propagar o respeito à diversidade", pelo simples motivo que tais avaliações também são maleáveis e variam tanto de indivíduo para indivíduo (enquanto para um estamos respeitando as diferenças de cada pessoa, para outro é uma pouca vergonha) quanto em situação diacrônica - ou seja, com o tempo as pessoas podem simplesmente mudar de ideia acerca de qualquer assunto.
Diante do exemplo, o que podemos então ter como critério confiável na avaliação de uma obra? Bom, isso renderia novos posts (e devem realmente render), mas uma coisa é certa: é preciso ter em mente (o que poucas pessoas têm) que é preciso dissociar ao máximo possível a figura do autor da obra, bem como separar nossas convicções pessoais do contexto representado na obra avaliada. Voltamos em breve com mais exemplos.

Continua...

Foto: Clara e Marina, personagens de Em família, de Manoel Carlos.

01/05/2013

Pé (e arte) no chão (parte I)



Saudações a todos os leitores, o Blog do Shirukaya está de volta à ativa! O tempo ficou curto e acabou por criar um limbo de alguns meses, mas finalmente eis aqui mais diversão e debate. Volto percebendo boas oportunidades para discutirmos e refletirmos sobre literatura e artes em geral. Um dos assuntos interessantes para debate é o que originou essa nova série de posts. Pé (e arte) no chão pretende refletir sobre todos os elementos de composição de nosso gosto, ao menos, no que tange à arte. Sem mais delongas, vamos nessa!

Tem se destacado na mídia a notícia de que uma das maiores musas do funk carioca, Valesca Popozuda (foto), virara objeto de estudo por parte de uma mestranda  da UFF. A polêmica começou a partir das manifestações de outras pessoas nas redes sociais e de formadores de opinião. Uma manifestação que ficou bastante popular foi a da âncora do Jornal do SBT, Rachel Sheherazade. Vale a pena ver o vídeo para enriquecermos o debate. 

De um lado, a ala conservadora da sociedade aplaudia de pé tal posicionamento, afina, para eles, é de uma pouca vergonha inefável que coisa tão abominável, como Valesca Popozuda,  possa ter o status de corpus de um trabalho científico - fato que só serve para provar o quanto o PT emburrece nosso alunado. Em contrapartida, a outra ala rechaçou com todas as suas forças o comentário da jornalista, posto que, segundo eles, gosto não se discute e é por nos metermos nas predileções alheias que o mundo está assim, todos impedidos de ir e vir e ameaçados por aqueles ditos defensores da moral e dos bons costumes. Percebamos que, a maior parte do tempo, as opiniões de ambos os grupos são bastante extremistas, muitas vezes com propósito mais partidário do que qualquer outra coisa que os possa engrandecer. Podemos pegar tal conflito como ponto de partida, já afirmando: apesar dos avanços que temos, independente de nossas preferências políticas, morais, religiosas, etc, ainda sofremos por não conseguirmos nos desvencilhar de uma organização binária do nosso pensamento, ou seja, ainda pensamos, em pleno terceiro milênio, que "quem não está comigo está contra mim". Esse é um dos males que ainda não conseguimos destruir e, por isso, ainda temos manifestações de preconceito que poderiam ser erradicadas. 
Ora, se nosso problema é exatamente esse binarismo, como proponho, bastaria então resumir esta série de posts ao "gosto não se discute"? Não. Qualquer reducionismo pode ser válido apenas como referência rápida, mas na prática torna raso e reificado qualquer tipo de pensamento, induzindo mais uma vez ao binarismo. Posto que gosto não se discute, há outras coisas que podem nortear nossas reflexões, sem que haja repulsa de sua parte, meu leitor. É o que veremos em nossos próximos capítulos. Por hora, quem quiser deixar algum comentário, sinta-se à vontade. Vejam os vídeos e vamos que vamos!


continua...

31/05/2012

Desencapetando o riso (parte V)

Não gosto de comédia, pois é um gênero inferior, não requer técnica nem estudo


Sim já ouvi coisas como essas um sem número de vezes. Aristóteles proferiu que o trágico é belo, ou seja, que a beleza estética muito em a ver com a retratação de temas sérios, muitas vezes perpassando ao drama. Ok, o trágico é realmente belo, não há como não se emocionar lendo as mais clássicas tragédias gregas ou mesmo os dramas mais famosos do cinema. Não raro até simpatizamos mais com aqueles artistas que possuem/ possuíram vidas tão sofridas quanto às retratadas em suas obras. Entretanto, rir é algo inerente ao ser humano. Rimos desde antes de falar. Mesmo assim, somo sempre ensinados a guardar nosso riso no âmago mais profundo do nosso subconsciente. E dessas reservas acabamos dando origem a um legado que existe até nossos dias: o do "rir é feio". Dentre as principais justificativas dessa corrente, destacamos agora a que dá subtítulo a esse post. Há a ideia de que fazer rir não requer esforço, técnica, tratamento estético, estudo, etc.Vejamos alguns exemplos.


Charlie Chaplin foi um dos grandes, um ator, excepcional, um humanista e... um comediante de mão cheia! Acima um  trecho de O grande ditador, mostrando que mesmo a guerra pode ser motivo de riso e que o humor também requer grandes doses de talento e técnica. 


Já resenhada aqui, a Pola Oloixarac ganhou destaque pelo tom satírico de seu primeiro livro que satiriza na mesma proporção com que convida ao debate a sociedade argentina sobre a juventude perdida entre as brigas políticas, discussões acadêmicas extremas e a superexposição à informação proporcionada pela internet. É comum ver diálogos de algumas páginas (sim, páginas!) para expressar ideias mínimas, exemplificando o discurso hipster-pseudointelectual da juventude vigente. Vale a lida.


Por fim, ouçamos o koenjihyakkei, que também já passou neste humilde blog. A banda japonesa dá tons de punk rock da forma mais lúdica possível ao seu som, que é extremamente trabalhado, basta que reparemos na qualidade técnica empregada pelos músicos - fato que já é uma das características do Zeuhl. Enfim, aquele que ouvir terá a impressão de que os músicos estão realmente brincando com suas músicas; o resultado é uma viagem frenética, uma bagunça muito bem feita e divertida, especialmente em seus minutos finais. 
Mais exemplo? Que tal se você, querido leitor, puxar algum para o debate? A seção de comentários está a sua espera!


Confira também as partes I, II,  III e IV.


03/04/2012

Desencapetando o riso (parte III)

É sempre bom respeitar os mais velhos?


Vamos nessa para mais uma postagem da série sobre riso, humor e comédia nas artes. Hoje mostraremos algumas palavras sobre a comum idéia de que existem coisas que são intocáveis e que jamais devem ser satirizadas/ parodiadas/ canonizadas. Já falamos na postagem anterior um pouco sobre isso, mostrando que algumas mudanças históricas por que passamos criou uma "demonização" do riso em si. Essa demonização se propaga até hoje, criando um repúdio enorme ao humor. A questão mais específica aqui é: um cânone é intocável?
Nos útlimos tempos a grande autora inglesa Jane Austen tem "sofrido" maus bocados nas linhas de novos escritores que dispuseram-se a parodiar suas obras. Os mashups têm se tornado muito famosos, mas comumente têm sido rechaçados pelas nobres academias de letras e por muitos intelectuais que vinculam essas obras à subliteratura. Estaria eu dizendo que estas novas obras são novos cânones? Evidente que não; basta observar direitinho que, por comporem uma linha de aceitação mais direta (e rentável), muitas vezes a qualidade literária que tanto prezamos é deixada de lado. Bom, não nos importa agora avalia-los. O que tento mostrar é que essas obras de humor paródico necessariamente não implicam obras ruins. Para exemplificar, por que não observar o que a tão parodiada Jane Austen pensa? Bom, como ela já não está entre nós, resta-nos entender um pouco de seu pensamento através de seus próprios escritos.
Katherine Morland, a protagonista de A abadia de Northanger, vive numa cidadezinha pequena onde pouco se tem pra fazer além de ler os livros da estante dos pais. Essa prática cria uma leitora viciada em romances góticos, tão viciada a ponto de fazer com que ela viva fantasiando uma aventura envolvendo todos os clichês deste tipo de história. Um conhecedor da lira ferina da autora perceberá logo a marionete que a protagonista vira em suas mãos. Tudo isso para quê? Para parodiar os romances góticos que tanto dominavam a sua época!
Assim, o que veremos neste romance é uma chuva de frustrações que tem a intenção de fazer com que o leitor ria. Sendo a ironia de Austen tão sutil quanto conhecemos, isso pode não ficar tão claro à primeira vista. Mas uma vez percebida, prepare-se para o riso. Pouco importará se Katherine terá um final feliz com seu par amoroso; a graça em ver uma mocinha descobrindo a vida adulta se metendo em confusões por sua imaginação fértil já se incrustrará no leitor. E quanto a questão que levantamos aqui? Ora, será que, se Austen, uma das escritoras mais respeitadas por sua qualidade e importância, parodiava toda uma tradição literária do séc. XIX, por que um escritor contemporâneo não pode fazer o mesmo com uma de suas obras? No fim das contas, os aspectos temáticos pouco importam, pois qualquer julgamento passaria apenas pelo gosto do leitor, a qualidade literária só será comprovada avaliando-se os procedimentos estéticos utilizado por aquele que "ousa" satirizar o cânone. 
E então, o que me dizem? A seção de comentários é de todos vocês! No mais, deixo um videozinho de uma pouco conhecida adaptação fílmica do livro, só para deixar vocês instigados. Amplexos.




 Confira também a parte 1 e a parte 2.






















17/03/2012

Desencapetando o riso (parte II)


Vamos nessa, sem mais delongas, com o início da nossa discussão sobre o humor nas artes. para tanto viajaremos um pouquinho no tempo para entender o porquê do título desta série. As manifestações populares sempre primaram por brincar com tudo, sem propósito muito especial que não fosse realmente rir. Para tanto, alguns elementos comuns era quebrados, em especial, éticos. Entretanto, a percepção desse humor despretensioso como algo que induzisse à libertinagem foi se tornando cada vez mais preocupante para aqueles que detinham o poder, fato que se agravou com a consolidação da igreja no poder, durante a idade média. A então "carnavalização" de tudo e todos passa a ser mal vista, com a argumentação de que o riso é um pecado e/ou porta para o inferno. Lembremos aqui que não se via discurso algum que dissesse que Jesus ria, impondo aos seguidores da bíblia uma postura de submissão e seriedade, a que estamos submetidos, de certa forma, até hoje. Em suma, a diversão popular foi "demonizada", e era preciso evitar o pecado, nem que para isso o clero devesse usar a força. 
A demonização do riso, com a idade média, ganha dimensões tão fortes que isso criou nas gerações que se sucederam um ranço que persiste até hoje, o que existem coisas que são intocáveis (que não podem ser satirizadas) e não têm graça nenhuma. Por hora, estou apenas levantando afirmativas, sem procurar uma posição (espero chegar a alguma ao fim da série com ajuda de vocês, leitores). 
Chegamos então a nosso questionamento atual. Essa demonização do riso foi também satirizada em nossos tempos, aqueles que já assistiram ao filme Dogma (1999), tem um grande exemplo de um filme que não só satiriza como induz a reflexão sobre inúmeros temas - em especial, o riso.  Deixo vocês com uma cena desse grande filme para que reflitam enquanto não chegamos a nossa próxima aventura em busca do desencapetamento do riso. Será nossa missão bem sucedida? É o que veremos em breve.Infelizmente não encontrei a cena com legendas. Trata-se de um pronunciamento da igreja dizendo que quer tirar dos fiéis a idéia de "cristo sofredor" e mostrar que "ser religioso também é legal" (qualquer semelhança com o pensamento hodierno de algumas vertentes religiosas não é mera coincidência). Enfim, comemtemos. Bye bye.





Ah, leitura recomendadíssima para o debate:

BAKHTIN, Mikhail. A Cultura Popular na Idade Média e no Renascimento: o contexto de
François Rabelais. Tradução de Yara Frateschi Vieira. São Paulo/Brasília: Hucitec/Editora
Universidade de Brasília, 2008.






14/03/2012

Desencapetando o riso (parte I)



Saudações, grandes amigos que visitam este blog! Hoje trago para vocês uma nova série para discussão de algo bastante... Divertido! Sim, rir é bom demais, rir é essencial, rir é a essência do ser, rir é...
Uma pouca vergonha?
Pois bem, a discussão que apresento nesta série é para falar do preconceito conrtra o riso. Talvez você possa estar se perguntando se isso existe, e respondo sem pestanejar: não só existe como é uma tendência que atravessa gerações e mais gerações. O objetivo aqui é ilustrar diferentes vertentes do humor dentro da arte e tentar entender porque o humor, até mesmo fora das artes, é tão mal visto.
Para introduzir a discussão, deixo para você a seguinte reflexão: os seus gostos e preferências são engraçados? Você acredita que uma obra séria não pode ser engraçada? Você considera um humorista um artista "inferior"? Em tempos de reclamações exacerbadas sobre a qualidade do humor a que somos expostos, acredito que pensar direitinho sobre essas questões é algo bastante pertinente. Observe a foto dessa postagem para se inspirar. Mãos à obra.

03/01/2012

A fidelidade em debate (parte III)



Feliz 2012 a todos! Como as coisas não param nem se o mundo acabar, vamos a mais uma postagem aqui neste blog. Para começar o ano bem, eu acho, continuo com a série de discussões sobre adaptações nos mais variados segmentos artísticos, no intento de problematizar um pouco as famosas afirmações de que "adaptação boa é aquele que é fiel" ou "adaptação boa é a que não é fiel ao texto de origem (doravante chamado texto-fonte, não importando qual a expressão artítica empregada em sua composição".
Para já começar bem, trago algo um tanto incomum: em Mardock Scramble (foto 1) temos a adaptação da série de romances de Tow Ubukata para mangá e, como de praxe no japão, para o anime (em uma série de OVA, para ser mais específico). O destaque aqui não vai apenas para a dificuldade de transposição/ edição do enredo, mas da renderização de personagens e cenários. Como não há atores, o desenvolvimento da ambientação sci-fi/ cyberpunk do série fica por conta da equipe de ilustradores, o que já traz grandes problemas ao ato de adaptar, pois sua produção depende de um grupo muito extenso, tal como no cinema, mas com foco na recriação de tudo em computação gráfica.  


E o que dizer quando a adaptação busca o tom de paródia, como em As patricinhas de Beverly Hills (foto 2)? A paródia buscará outro tipo estilização com relação ao texto-fonte, descarcterizando qualquer premissa deste segundo. Entretanto, o filme foi grande sucesso, tal como o texto fonte, Emma, da Jane Austen. Cá entre nós, o feito não é muito simples, pois o humor, ainda infelizmente, é muito mal visto no mundo das artes - não me aterei aos motivos aqui, pois isto daria uma bíblia de comentários. 



Por fim, pensemos agora o exemplo de Amor em quatro atos (foto 3), que adapta canções do velho Chico (Buarque, não é o Rio São Francisco) para o formato da TV. A combinação, para início de conversa, é bastante incomum, da música, uma obra de curta duração que condesa em breves versos relação com arranjos sonoros diversos, com a TV, que, além de depender de equipes maiores em sua composição, está presa a diversos parâmetros impostos à TV, por exemplo, a censura, a aceitação do público comom àquele segmento, etc. Reparemos que uma música, apesar das diversas relações entre a letra (que nem sempre existe) e os fatores rítmicos/ melódicos/ harmônicos envolvidos, é muito mais curta (em duração física mesmo) do que o de um capítulo de série de TV, geralmente contando meia hora (a não ser que a canção seja um épico progressivo, rs.). Sendo assim, o diretor tem que desdobrar a canção em uma narrativa, o que, de cara, já o tornaria "infiel" ao texto-fonte, já que uma letra/ poema tende a não ser narrativa. Assim, cabe ao diretor fazer recortes e tentar recriar/ dialogar com a ambientação do texto-fonte de outra forma, desprendendo-se ainda mais da noção de que a qualidade está necessariamente vinculada à fidelidade.
E então mais exemplos? Comentários? Sugestões? Vocês com a palavra! 



16/12/2011

Sexo e violência, baby! (parte VI)


Ressucitando séries que estavam no limbo deste blog, voltamos a falar sobre o uso do sexo e da violência nas artes, saindo da literatura, dos animes e da píntura para comentar um pouco do cinema. Desde nosso primeiro post sobre o assunto trabalhamos com idéia da inevitabilidade de fuga destes dois temas, dada a força com que estão presentes em nossa vivência. A aproximação da arte com o sexo e a violência só tem a contribuir para a verossimilhança, nesse sentido, enriquecendo o filme e evitando que fiquemos com aquela sensação de pudicícia exacerbada que comumente criticamos nas novelas, por exemplo. Para tanto, pegarei três filmes para a nossa observação em que a violência está permanentemente presente, mas se articula de modos distintos. 
O ano de 2002 viu nascer um filme que chocou platéias mundo afora pelo impacto de suas cenas de violência. Na verdade, os choques de Irreversível (Foto 1 - Direção: Gasparnoé) podem ser resumidas a duas: a cabeça de um dos personagens sendo esmagada por um extintor logo na primeira sequência do filme e o perturbador estupro de Alex, personagem da Monica Belucci, em que os mais sensíveis podem facilmente desistir de manter os olhos abertos. Pois bem, aqui podemos perceber que a pujança das cenas está a serviço do experimentalismo estético exposto pelo diretor, já que toda a montagem do filme por si só já amplia o desconforto do espectador propositalmente. A primeira sequência é nauseante, graças a imprevisibilidade de movimentação da câmera, movendo-se no ir e vir dos protagonistas dentro de um bar atrás do alvo. A própria montagem cria toda essa repulsa para ao decorrer do filme a desfazer, chegando a um final que beira a candura de tão suave que se apresenta. O filme, nesse sentido, pode ser visto como uma experiência na observação das diferentes impressões/ reações que pode causar ao espectador.

Já Baixio das bestas (2006 - Foto 2), de Cláudio Assis, tem crueza da cabeça aos pés, mas muito pouco estilizada, fato esse motivado por sua postura extremamente naturalista. A violência é exibida como forma de denúncia da violência que comumente ocorre nas nossas sociedades, aqui, em especial, à violência das cidades da zona da mata pernambucana. A montagem, portanto, é muito pouco ousada, mantendo-se o mais distante possível dos fatos, a maior parte do tempo, contribuindo para o tom quase jornalístico do filme. Destaque para a bela cena do estupro de Auxiliadora, personagem de Mariah Teixeira, no fim do filme. A moça, menor de idade que "era filha do avô", sofre abuso por parte do protagonista do filme, um típico agroboy (playboy do interior canavieiro). Pena que não se tenha escolhido a mesma crueza na cena da morte da personagem interpretada por Dira Paes, o que me parece uma suavização não condizendte com a ambientação proposta pelo filme. Mas isso deixamos para outra hora.

Destoando ainda mais, a violência em Kill Bill (2003 - Foto 3), de Tarantino, já aponta um caminho totalmente estilizado, usando e abusando dos exageros e recursos cinematográficos, o que cria um tom de paródia ou, pelo menos, de humor. A reverência ao estilo dos grandes filmes de luta orientais é flagrante; o grotesco é transformado em diversão, o que faz com que o espectador não tenha desconforto algum. A montagem apenas favorece essa perspectiva, como por exemplo na culminância das lutas A Noiva X O-ren Ishii e Noiva X Go Go Yubari (deixo essa última luta no vídeo abaixo, só como aperitivo).
Sendo assim, comentemos mais sobre o uso da violência nas artes. Tem exemplos? Contesta algo dito? A hora é agora! Até mais!



 
Relembre a série Sexo e violência, baby! Parte I - Parte II - Parte III - Parte IV - Parte V.
 

07/11/2011

A fidelidade em debate (parte II)

Como disse anteriormente, o tema desta série de postagens é muito interessante pela polêmica que gera, visto os comentários de nosso episódio anterior, no qual até afirmaram que a literatura era uma arte superior e aceitar sua evolução mais avançada perante as outras artes era algo necessário. Bom, sigamos com mais detalhes. 
Adaptar um texto não é uma coisa muito simples, embora estejamos adaptando-os já há muitos e muitos séculos. Embora falemos muito sobre a adaptação de texto literário para texto fílmico, a de maior evidência sem dúvida, podemos adaptar tanto textos do mesmo suporte entre si (reeescrevendo contos de grandes autores, por exemplo), ou adaptando textos de seguimentos artísticos extremamente dissonantes (como seria adaptar sua canção favorita para um jogo de PS3/ Xbox 360?).  Durante nossa observações, dificulta ainda mais termos de nos apegar a três coisas: conhecimento das especificidades do texto A, do texto B e da relação criada a partir da adaptação, levantando seus pontos fracos e grandes procedimentos. Baseando-se nisso, fica muito difícil para nós nos apegarmos exacerbadamente à "fidelidade" como critério de avaliação. 
Voltando à relação clássica literatura-cinema, mostro como exemplo uma das histórias de vampiros mais belas dos últimos tempos (não, não é Crepúsculo, desgraçado leitor): trata-se de Deixa ela entrar (Let the right one in, escrito em 2004 por John Lindqvist), adaptada para o cinema tanto pelo sueco Tomas Alfredson, em 2008 (foto), quanto pelo hollywoodiano Matt Reeves em 2010. Como temos a oportunidade de observar duas versões do mesmo texto literário para o cinema, fica então mais fácil perceber as nuances estéticas de composição a que deveríamos nos ater. A saber, ambos os filmes têm forte similaridade com o texto-fonte. Entretanto, o resultado é bastante adverso. A versão sueca é mais densa, lerda, enquanto a norteamericana é mais ativa, pirotécnica e cheia de efeitos especiais. Logo, o que fica para nós, já que vemos a fidelidade aí em segundo plano, é perceber como os recursos escolhidos pelos diretores influem positivamente ou negativamente no texto de origem.
Com base nisso, o que você, amigo leitor, acha? Participe deste interessante debate. Como digo sempre, o blog é seu!


06/11/2011

Como foi o Fantástico em Pernambuco


Saudações, grandes amigos. Depois de um tempinho curto ausente, trago para vocês um relato do que rolou de mais legal no I Seminário de Literatura Fantástica de Pernambuco, ocorrido nos últimos 03 e 04 de novembro, no CAC/ CFCH da UFPE.

Ficou provado que a academia vem mesmo se importando cada vez mais com esse gênero que por muito tempo foi visto com maus olhos. Percebemos isso desde a participação de nomes de peso da crítica/ produção de litfan brasileira, a saber, Karin Volobuef, Maria Cristina Batalha e Braulio Tavares, que por longas e prazerosas horas discorreram sobre o assunto para auditórios totalmente lotados - algo realmente inesperado.
Abrindo o evento, a pesquisadora Maria Cristina Batalha, da UERJ, exibiu um panorama do fantástico no Brasil, propondo novas tipologias para este, inspiradas nas diferentes abordagens adotadas pelos autores nos últimos séculos. Tivemos também o lançamento de seu O fantástico brasileiro: contos esquecidos (Caetés/RJ), antologia reunindo narrativas que se perderam por motivos diversos, contando com a presença de grandes ícones da literatura, tais como Lima Barreto, Machado de Assis e Aluísio Azevedo.
Já Karin Volobuef brindou o público em sua palestra com detalhes da vida do homenageado do evento: E. T. A. Hoffmann, por muitos tido como o pai do fantástico. Detalhes de sua vida difícil na Alemanha, a influência do romantismo em sua obra e desta em artistas diversos que o sucederam foram explicitadas. Karin também lançou Mito e magia (Unesp/SP). Encerrando o evento, o escritor Bráulio Tavares conduziu um papo muito bem humorado sobre a ficção científica, cyberpunk e afins no país. Outro assunto debatido em detalhes foi a produção de antologias do gênero, ressaltando as dificuldades de organização, as editoras de destaque e os problemas na tradução de contos sci-fi para o português.
Como também fui soltar o verbo, cabe dizer que minha apresentação repercutiu bem, também com auditório cheio. A maior parte das comunicações apresentadas impressionou pela maturidade. Poucos foram os trabalhos que deixaram a desejar. Dentre os bons, vimos  muitos autores nacionais representados e os grandes nomes mundo afora, Borges, Cortázar, Hoffman, também foram tematizados. Chamou a atenção também uma série de trabalhos intersemióticos, como os que estudaram a influência do fantástico na música clássica, em especial em Mozart, Berlioz e Paganini, como também no cinema e nos jogos de RPG. 
Bom, detalhar tudo aqui renderia uma série muito extensa, o que talvez cansaria vocês, leitores. portanto, fiquem com a certeza que hoje é dia de litfan, bebê. Parabéns ao professor André de Sena, organizador do seminário. A arte agradece. Sigamos em frente, pois muita coisa boa ainda está por vir.


Fotos: (1) Stephen King's IT! Exposição de artes de temática fantástica no Hall do CAC/ UFPE. Infelizmente não peguei o nome do autor da tela. Se alguém souber, informe-me para que eu lhe dê os devidos créditos; (2) Karin volobuef em discurso; (3) eu e Mª Cristina Batalha;(4) mesa composta para as apresentações no auditório;(5) eu e o grande Bráulio Tavares.

31/08/2011

A fidelidade em debate (parte I)


Lá vamos nós para mais uma discussão. Já comentamos um pouco aqui sobre as relaçãoes entre o conto e o curta-metragem, citando inclusive o assunto deste post: a fidelidade. Alerto aos paraquedistas que acham que vamos falar de questões éticas e amorosas que não é este o caso. Vamos expor apenas alguns pontos sobre o que devemeos ter na cabeça quando pensamos em "fidelidade" de uma adaptação artística. 
É muito comum, ao nos depararmos com  uma adaptação fílmica, por exemplo, e ao término do filme o avaliar baseando-se se ele foi "fiel" ao texto de origem. Mediante isso, criam-se duas "facções": a dos que acham que fidelidade é essencial e não deve ser quebrada nunca - na adaptação de O senhor dos Anéis (foto), famosa por ser muito fiel, ainda teve gente que reclamou (Que merda! Cadê Tom Bambadil?) . Por outro lado, temos um grupo que defende a autonomia do filme, dizendo que filme bom é aquele que se desprende ao máximo da tal fidelidade. Ora, chegamos a um impasse: quem tem razão nesta briga? Qual a importância da fidelidade? 
Para nortear um pouco nossas especulações exponho que o problema geral nesta questão vem de se usar a tal fidelidade como indicador de valor, o que me parece equivocado. Nenhuma adaptação é boa só por ser fiel ao texto-fonte. O contrário também não sustenta. Até hoje no mundo da arte acredito que não se tenha critério melhor para se avaliar uma obra do que a sua forma, sendo assim muito importante que conheçamos as especificidades dos dois tipos de textos que lidamos para poder saber se realmente a adaptação foi bem composta, independente do tipo de suporte. Exemplificamos o caso com a adaptação fílmica por causa de sua maior exposição, mas também falamos de outros tipos de adaptação, pois um poema pode virar uma canção, uma canção pode virar uma série de TV, uma série pode virar jogo de videogame, ou seja, as possibilidades são muitas. Recomendo aos interessados a leitura dos estudos da Linda Hutcheon, que abrangem uma gama muito variada de adaptações com que lidamos, inclusive para jogos de RPG. 
Mediante as observações aqui feitas, deixem  seus comentários sobre o que acham da fidelidade nas adaptações. Em breve daremos sequência à discussão com alguns exemplos interessantes. Até mais.


23/08/2011

Como foi o II Sarau do CAIXA BAIXA


Saudações Shirukayanas, pessoal! Saiu com um pouco de atraso, mas saiu: eis a matéria sobre como foi o segundo sarau promovido pelo Núcleo Literário CAIXA BAIXA,  grupo já conhecido dos que visitam este blog. Logo minutos antes do início, o crepúsculo se fazia ao passo em que chegava às bancas de jornais a edição de domingo, 21/08, do Jornal da Paraíba. Nela tivemos nosso primeiro sorriso da noite, afinal, não é todo dia que se ganha uma metéria de uma página completa num jornal de grande circulação. A matéria destacou, além do CAIXA BAIXA, os núcleos Blecaute! e o nacionalmente conhecido Clube do Conto, mostrando que a Paraíba vai de bem a melhor no quesito produção literaturária. Um belo boost para a noite que começava.


Não sei quem criou o boato de que, a cada minuto sem poesia ao microfone, um panda morria em algum lugar. Se assim for verdade, acho que pandas nasceram em vez de morrer, pois a circulação dos poetas foi grande e contínua, sem paradas nem para respirar. Engraçado que para um lugar que pedia não aos palavrões, abro minha participação com um, contido em um de meus poemas eróticos. O amigo Artur, que leu meu poema aqui também o recitou para os presentes. Também saliento a presença de mulheres recitando poemas de amigos, caixabaixeiros ou não, provando que a verve inspirada segue também entre elas.




É pena que nem todos os caixabaixistas puderam comparecer, mas a maiorria esteve lá; quem não esteve compareceu em forma de poema. Assim, caixabaixéticos ou não, foram homenageados Bruno Gaudêncio, Thiago Lia Fook, Lau Siqueira, Águia Mendes, Guilherme Boaventura, Tito Rosas, Cyelle Carmem, Philippe Wollney.
A noite foi regada a cerveja, vinho, absinto (que por sinal foi-se em segundos) e muita poesia, também houve espaço para leitura de contos e piadas bem humoradas. Destaco também a apresentação surpresa do curta-metragem de Carolaine (não tenho a ficha técnica do vídeo, por favor, entre em contato e darei os devidos créditos), que se mostrou bem feito e muito divertido.




Por fim, ficou a certeza de que ainda há quem goste de prestigiar a poesia, bem como a nova literatura paraibana. O gosto de quero mais perdurou em todas as bocas presentes, bem como a admiração dos que, por morarem fora da paraíba, estiveram apenas em pensamento em nossas palavras eufóricas. Que este seja o segundo de muitos, que o terceiro não tarde a chegar e que você que me lê possa presenciá-lo. Até mais. 

Fotos: (1) Matéria de 21/08 do Jornal da Paraíba sobre Caixa Baixa, Blecaute! e Clube do Conto; (2) Roberto Denser recitando o clássico poema "Sou um saco"; (3) A clubecontista Jéssica Mouzinho dando aula de sinuca para o ex-caixa Félix Maranganha (ao fundo); (4) e (5) pessoal provando um tira-gosto enquanto rola a poesia; (6) Betomenezes homenageia Águia Mendes de forma peculiar. Fonte: acervo pessoal.


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